음악 제작에 있어 “줄일수록 좋다”라는 말에 대해 : 4가지 미니멀리스트 팁
노래가 과하거나 단조롭게 들리나요? 프로덕션의 요소들이 너무 많이 있을 수도 있습니다.
더 적은 수의 악기에 숨쉴 수 있는 공간을 더 제공하세요.
더 적은 수의 트랙으로 더 좋은 음악을 얻을 수 있는 4가지 미니멀한 팁을 알아보세요.
By Will Vance, Hyperbits
더 적은 요소로 더 많은 것을 얻는 것은 음악에서 스탠다드입니다.
이것이 바로 Prince가 듬성듬성한 편곡으로도 꾸준히 차트 1위를 차지할 수 있었던 비결이자
댄스 음악에서 가장 클라이막스인 순간이 때로 베이스와 킥으로만 구성되는 이유입니다.
그렇다면 이것이 왜 달성하기 그렇게 어려울까요?
왜 미니멀리즘은 숙련자의 영역이고 풍성함은 때로 아마추어적인 느낌을 줄까요?
프로페셔널 프로듀서들은 사운드, 질감, 시간 및 공간의 미묘한 뉘앙스를 포착하기 위해 귀와 뇌를 조율해왔습니다.
이는 우리가 Hyperbits Masterclass 학생들에게 항상 가르치는 것입니다.
이러한 미묘함을 식별할 수 있다면, 이를 활용하는 것에 대해 생각해 볼 수 있습니다.
이 게시글이 끝나면 동일한 작업을 시작하는 방법에 대해 확실한 이해를 갖게 될 것입니다.
더 적은 것으로 더 많은 것을 얻으십시오…
구성 요소의 공간 효과, 움직임, FX 및 분위기를 영리하게 사용하여
최소한의 편곡으로 더 많은 것을 얻을 수 있는 4가지 방법에 대해서 알아보겠습니다.
이러한 예제의 대부분은 쉽게 따라할 수 있도록 설계되었으므로 Hyperbits Masterclass Freebie 페이지로 가서
Hyperbits Sample Pack Vol.2 카피를 다운받고 이 팁에서 사용된 동일한 샘플을 통해 따라해 보세요.
1. 공간 효과를 사용하여 공간 채우기
부드러운 에코와 딜레이 플러그인의 가벼운 응용은 특정 공간에 소리를 배치하는 데 가장 일반적으로 사용되며, 리버브와 비슷합니다.
그러나 딜레이를 더 많이 사용하면 완전히 새로운 레이어나 악기를 믹스에 추가하지 않더라도 사운드 간의 공간을 채울 수 있습니다.
이러한 목적으로 딜레이를 사용하려면 프리셋에 의존하는 것보다 훨씬 더 많은 의도성을 필요로 합니다.
이러한 딜레이는 리드 보컬이 필요로 하는 만큼의 많은 주의, 프로세싱 및 전반적으로 관리가 필요합니다.
동일한 공간을 채우기 위해 새로운 구성 요소에 의존하는 대신
세츄레이션, 리듬, 및 컴프레션을 사용하여 딜레이를 한 단계 더 발전시킬 수 있는 방법을 살펴보겠습니다.
a. 추가적인 꾸밈을 위한 딜레이 색깔 지정
딜레이는 믹스의 배경으로 흘러가는 경향이 있지만, 딜레이에 세츄레이션을 줌으로써
믹스에서 강력하게 앞으로 튀어나오고 포커스를 흐트러뜨리지 않고 리스너들을 끌어드리는 데 도움이 되는 놀라운 방법이 될 수 있습니다.
Example 1a – Synth (dry) / Example 1b – Synth (H-Delay) 🔗 클릭 시 원문 연결
아날로그 복각 요소를 통해 딜레이에 미묘한 질감이 입혀져 생기는 파워를 볼 수 있을 것입니다.
딜레이가 틈 사이의 간격을 채우는 단계적인 움직임을 추가하는 것입니다.
딜레이를 사용함으로 좋은 소리를 얻을 수 있지만 온-그리드 딜레이는 금방 식상해집니다.
아날로그 딜레이가 잘 쓰이는 이유입니다. 미묘한 모듈레이션은 공간을 빽빽하고 흥미롭게 보이도록 합니다.
예시 1 H-Delay : 적은 양 이상의 모듈레이션을 사용하면 너무 주의를 끌 수 있습니다.”
H-Delay의 모듈레이션 패널은 과할 정도로 드라마틱 하지 않으면서 공간과 움직임을 추가하여 줍니다.
아날로그 모델링의 또 다른 추가적인 좋은 점은 입력을 드라이브할 수 있는 기능으로
하나의 사운드가 트랙을 더 잘 전달할 수 있도록 도와주는 질감을 추가한다는 것입니다.
위에서 동일한 루프를 가져와서 피치 모듈레이션의 양을 과장되게 하여 만든 루프와 비교해 보겠습니다.
Example 1c – Synth (heavy modulation) 🔗 클릭 시 원문 연결
b. 딜레이를 사용하여 리듬 강조하기
새로 시작하는 프로듀서들이 범하는 일반적인 함정은 음의 밀도가 낮을수록 더욱 차분한 섹션이 만들어진다는 생각입니다.
어떤 의미에서는 이것이 효과적일 수도 있지만 트랙의 에너지 피크 부분과 비교할 때 여전히 저점은 공허하고 활기가 없는 느낌을 줍니다.
그러나 동일한 공간을 흥미로운 방식으로 채우기 위해, 이미 사용 가능한 음향적인 재료들로 영리하게 사용하는 방법을 찾는다면
훨씬 더 응집력 있는 사운드를 만들 수 있습니다. 수행 방법은 다음과 같습니다.
1단계 – 믹스에서 스타카토 느낌이 나는 악기를 선택합니다. 단일한 히트 또는 짧은 마디가 여기에 잘 어울릴 것입니다.
이 예시에서는 Hyperbits Sample pack Vol. 2.의 구성 키트를 사용합니다.
두 바 정도의 간격으로 나오는(그림에서 녹색으로 표시) 트랜지언트가 풍부한 신디사이저가 이 트릭에 적합합니다.
Example 2a – Staccato Lead Synth (dry) 🔗 클릭 시 원문 연결
2단계 – 오디오에 딜레이를 사용해 줍니다(Manny Marroquin delay를 사용했습니다).
딜레이 타임을 템포와 동기화하여 비트에 맞춰 조정될 수 있도록 합니다. 여기서는 딜레이가 리드미컬한 공간 분위기를 더합니다.
Example 2b – Staccato Lead Synth (spacey delay) 🔗 클릭 시 원문 연결
3단계 – 딜레이에 대해 몇 가지 파라미터를 조정하면서 딜레이 된 시그널을 오디오에 프린트합니다.
4단계 – 오디오가 프린트되면, 레코드한 부분들을 샅샅이 찾아 흥미로운 무브먼트와 질감을 지닌 리드미컬한 딜레이 루프를 찾습니다.
Splice 소스가 드럼을 받쳐주는 리드미컬한 pluck으로 바뀌는 것을 보고 들어보세요.
5단계 – 이 짧은 오디오 클립을 잘라 노래의 비교적 잔잔하고 밋밋한 부분에 걸쳐 반복시킵니다.
Example 2c – Spliced synth 🔗 클릭 시 원문 연결
딜레이 된 시그널이 리드가 도입되기 전 트랙을 전달하는 데 어떻게 도움이 되는지 보고 들어보세요.
c. 더 다이나믹한 딜레이를 위해 사이드체인을 활용
이펙트 걸기 전단에서(pre-effect) 시그널에 딜레이를 사이드체인으로 연결하는 것은
리버브나 딜레이 같은 뒤에 적용할 효과들을 걱정하지 않고 생동감과 움직임을 추가할 수 있는 놀라운 방법이며,
또한 컴프레서 덕킹 효과의 지속 시간에도 영향을 미칩니다.
그 결과적으로 call and response(메인 보컬과 백그라운드 보컬, 각 악기 등이 ’상호 연주’로서(연주에 서로 호응하는 형태로)
연주하는 것을 가리킨다.)와 같은 분위기가 조성되어 딜레이가 그 사이 공간을 채우는 동안 리드가 명확하게 유지될 수 있습니다.
이는 많은 새로 시작하는 프로듀서들이 간과하는 단순한 개념이므로 아래에 포함시켜야 합니다.
Renaissance Compressor는 원하는 만큼 부드럽거나 명확하게 조정할 수 있습니다.
Renaissance Compressor는 이를 위해 유동적인 컴프레션을 제공하여
별다른 펌핑이나 덕킹없이도 리버브 또는 딜레이가 적용된 신호가 투명하게 호흡할 수 있도록 해줍니다.
Hyperbits Sample Pack Vol 2의 또 다른 몇 가지 샘플을 사용해 보겠습니다.
Example 3a (no sidechain) / Example 3b (sidechain compression engaged) 🔗 클릭 시 원문 연결
2. 움직임은 더 적은 레이어에서 더 많은 생명력을 불어넣습니다.
사운드에 생기가 부족하면, 한두 번만 반복되어도 듣는 사람이 피곤해집니다.
그러나 이는 시간이 지남에 따라 음향적인 퀄리티, 리듬 및 사운드의 일반적인 캐릭터를 변화시킴으로써 해결될 수 있습니다.
이러한 무브먼트나 모듈레이션이 조금만 있어도 추가적인 레이어 없이 하나의 사운드가 오랜 시간동안 관심을 유지할 수 있습니다.
Phaser와 같은 이펙트는 이를 달성하는 데 일반적이지만,
대신 슬랩백 딜레이나 아날로그 플러그인과 같은 사운드에 움직임을 가져올 수 있는 조금 덜 일반적인 방법을 살펴보겠습니다.
a. 딜레이로 리듬 향상시키기
믹스에 여러 개의 딜레이를 추가하는 것은 쉽게 지저분해질 수 있습니다.
그러나 만약 슬랩백 딜레이가 보컬이나 기타와 같은 악기들의 하모나이징하고, 두껍게하고, 모듈레이션하는 데
널리 사용되는 수단이라면 타악기에도 동일한 원칙으로 적용할 수 있습니다.
CLA EchoSphere.
CLA EchoSphere는 이 효과를 위한 강력한 도구입니다.
아래 두 번째 오디오 예시가 얼마나 더 복잡하게 나타나는지 들어보십시오.
첫 번째 예시는 경직되고, 지루하고, 다이나믹하지 않은 반면에, 두 번째 오디오 트랙은 앞으로 튀어나와 있습니다.
아래 예시를 한번 비교해 보세요. 파형을 통해 더 적은 수의 레이어에서 더 많은 당김음을 얻을 수 있다는 것을 알 수 있습니다.
Example 4a – No slapback / Example 4b – Slapback effect engaged 🔗 클릭 시 원문 연결
b. 아날로그 에뮬레이션을 사용해서 톤과 질감 모듈레이션하기
아날로그 에뮬레이션은 입력에 따른 변화와 “하드웨어 회로”가 따뜻해지고 차가워짐에 따른 사운드의 색감 변화를 제공합니다.
아날로그 세츄레이터 또는 컴프레서에 입력되는 악기의 입력을 다양하게 하면
움직임과 다양한 질감이 추가되어 믹스와 편곡 모두에서 여유 공간을 유지하면서 다이나믹한 음색을 얻을 수가 있습니다.
1단계 – 생동감이나 움직임이 없는 소스 시그널을 찾습니다.
Example 5a 🔗 클릭 시 원문 연결
2단계 – 아날로그 에뮬레이터를 불러오고 이펙트 적용을 시작합니다.
아래 예에서는 J37 Tape를 거쳐서 CLA-2A compressor로 이어지는 리드 신디사이저의 간단한 프로세싱 체인을 보여줍니다.
J37 Tape 및 CLA-2A Compressor는 진정으로 다이나믹한 아날로그 모델링을 얻어내기 위해 같이 작동합니다.
3단계 – 체인에 공급되는 신디사이저의 입력 게인에 영향을 미치기 시작합니다.
MIDI 벨로시티는 여기서 가장 활용하기 좋으며 볼륨 및 필터 컷오프와 같은 항목을 이 파라미터에 매핑하면 더욱 강력해집니다.
아날로그 에뮬레이터가 흐릿하고 강력한 높은 벨로시티의 노트와 비교하여 더 조용한 낮은 벨로시티의 노트와 어떤식으로 다르게 반응하는지 들어보십시오.
Example 5b (analog signal path) 🔗 클릭 시 원문 연결
아날로그 플러그인에 공급되는 것에 따라 출력 신호의 색감과 질감에 미묘한 변화를 주며,
이는 다시 MIDI 파일의 벨로시티에 따라 달라지며 지루한 원래 버전보다 훨씬 더 많은 움직임을 가져옵니다.
3. 나만의 FX를 만들고 흔한 샘플을 피하세요.
전환되는 효과는 에너지를 불러오고 섹션 사이에 유동성을 추가하며 종종 샘플 라이브러리 FX는 이러한 상황에서 제대로 동작할 수 있습니다.
그러나 쉽게 구할 수 있는 샘플 FX를 너무 많이 추가하면 구성 전반에 걸쳐 응집력이 없어지고
트랙 전체가 아마추어처럼 느껴질 수 있기 때문에 이는 쌓여서 문제가 눈덩이처럼 커질 수 있습니다.
따라서 믹스에 내재된 요소를 찾아 전환되는 FX 용도로 변경하는 것이 거의 모든 상황에서 좋습니다.
이 작업을 시작할 수 있는 몇 가지 방법이 존재합니다.
a. 유니크한 전환 효과를 위해 게이트 노이즈 사용
간단한 화이트 노이즈 제너레이터와 트리거된 게이트를 활용하여 트랙에 이미 설정된 리듬을 빌려 다이얼-인 이펙트를 얻어보세요.
eMo Generator- 노이즈 제너레이터는 많은 현대 댄스 음악에 있어 알려지지 않은 영웅입니다.
1단계 – 간단한 화이트 노이즈 제너레이터(예 : eMo Signal Generator)를 사용합니다.
2단계 – Waves C1과 같은 게이트를 화이트 노이즈 시그널에 적용하고
사이드 체인 입력 시그널을 섹션에서 가장 리디미컬한 에너지를 전달하고 있는 트랙으로 설정해 줍니다.
3단계 – 게이트의 스레숄드를 조정하여 화이트 노이즈가 입력 신호의 리드미컬한 움직임을 반영하는 미세한 노이즈로 바뀌게 합니다.
4단계 – 빌드가 텐션을 증가시키거나 감소시키기 시작할 때 게이트의 스레숄드를 줄이고 릴리즈를 늘려줍니다.
Example 6a - dry / Example 6b – Gated noise FX 🔗 클릭 시 원문 연결
b. 단일 파라미터로 라이저 생성
저는 실수로 리버브에 사이즈 파라미터를 우연히 건드려 리버브가 다른 공간으로 강제로 변경될 때 생기는 음정이
삐걱거리는 사운드를 듣고 매우 싫어하고는 했습니다. 하지만 최근에는 이 단순한 “실수”가 힘을 보기 시작했습니다.
모든 플러그인에서 실시간으로 Size 파라미터를 오토메이션할 때 피치가 조절되는 것은 아닙니다.
하지만 이 하나의 파라미터를 천천히 오토메이션하면
기존의 FX를 사용하는 대신 소스와 동일한 질감과 공간을 공유하는 미묘한 라이저 효과를 발생시킬 수 있습니다.
Example 7a – dry / Example 7b – pitch riser effect 🔗 클릭 시 원문 연결
c. 리버브를 리버싱시키는 더 나은 방법
리버스 리버브 트릭은 작곡에 스윕과 스웰을 생성하는 좋은 방법이지만, 이를 최대한 활용하는 사람은 거의 없습니다.
이 작은 전환 FX를 최대한 활용하기 위해서 이 고전적인 트릭을 향상시키는 몇 가지 방법을 살펴보겠습니다.
1단계 – 곡안에서 소스 재료로 사용하려는 요소를 찾습니다.
가장 유력한 소스로는 보컬, 리드 악기, 또는 밝은 느낌의 하모니가 있을 것입니다.
이 샘플은 움직임이 부족하여 현재 형식으로 도입하면 어울리지 않게 보일 것입니다.
Example 8a 🔗 클릭 시 원문 연결
2단계 – 소스 자료의 카피본을 만들고 첫 번째 치찰음, 트랜지언트 또는 히트 사운드만 들리도록 밑에 트랙에 듀플리케이트 합니다.
3단계 – 이 작업에 적합한 툴을 사용하는데, 우리는 이에 대해 하이퍼비트 마스터 클래스에서 자주 이야기하곤 합니다.
이 트릭에서 Abbey Road Reverb Plates와 같은 플레이트 리버브는
이 리버스 효과가 믹스를 뚫고 나가는데 도움이 되도록 존재감과 빛을 가져와 줍니다.
Abbey Road Reverb Plates와 같은 Plate Reverb들은 더 밝은 경향이 있으며, 믹스에서 앰비언스까지 앞으로 나올 수 있도록 해줍니다.
Example 8b – Plate reverb 🔗 클릭 시 원문 연결
4단계 – 100% Wet로 설정된 리버브를 통해서 첫번째 히트 오디오를 리샘플링합니다.
이 작업을 여러 번 수행하면서 리버브 플러그인의 파라미터를 조정합니다.
5단계 – 리버브 테일의 오디오 클립을 리버스 시켜 디케이 대신 스웰 시켜줍니다. 이것이 리버스 리버브 트릭의 기초가 될 것입니다.
리버싱은 모든 소스 사운드에서 흥미로운 질감과 움직임을 만들어내는 놀랍고 창의적인 도구입니다.
Example 8c – Reverse reverb 🔗 클릭 시 원문 연결
6단계 – 저는 항상 리버스 레코딩의 다양한 테이크를 왼쪽과 오른쪽으로 패닝하여 기타를 더블 트래킹하는 것과 비슷하게
매우 와이드한 느낌을 만들어냅니다.
이는 FX를 사이드로 유지하면서 주요 소스(리드 보컬이나 기타 등)들을 믹스에서 정면과 중앙에 배치될 수 있도록 합니다.
왼쪽 채널과 오른쪽 채널을 구분하는 작은 변화에 주목하여 더블-트래킹과 유사한 이펙트를 만들어낼 수 있습니다.
Example 8d – Double-tracked reverse reverb 🔗 클릭 시 원문 연결
4. 분위기, 사운드 베드 및 그 이상을 만들어 보세요.
믹스의 음향적인 스페이스를 한 치도 빠짐없이 채우고 싶은 유혹이 있을 것입니다.
이는 여유 공간이 있다고 가정하기 때문일 수 있지만, 실제로는 그렇지 않습니다.
곡에 포함된 요소로부터 맥락과 공간을 추가하여 앰비언트 사운드 베드를 만드는 제가 가장 좋아하는 방법은 다음과 같습니다.
a. 리버브를 사용하여 분위기 만들기
믹스에 질감과 공간을 추가하는 가장 확실한 방법은 리러브일 것입니다.
트랙에 낮게 덮인 적당한 양의 음향적인 먼지는 공간을 채우고 어떤 구성에도 응집력을 더해줄 수 있는 이상적인 소닉 사운드-베드가 될 수 있습니다.
루프에 스플라이스할 짧은 구간을 찾으십시오.
트랙의 기반에 질감, 움직임 및 드라이브를 추가합니다. 이 과정을 몇 번 수행하고 트랙이 전개됨에 따라 주변 루프 사이를 크로스-페이드합니다.
b. Wavetable Synths로 사운드 베드 만들기
Codex Wavetable Synth와 같이 웨이브테이블 또는 그레뉼라 신디사이저에 짧은 클립을 로드하는 것은 사운드 베드를 생성하는 데 좋을 수 있습니다.
신스를 통해 재료들을 리샘플링하고 그레뉼라 신스의 파라미터를 조정한 뒤 오디오를 연결하는 데 시간을 할애하여 원하는 분위기를 얻을 수 있습니다.
그것들은 종종 자체적으로 미친듯한 사운드를 들려주지만(아래의 예시 9a와 같이),
최종 결과(예시 9b)는 흥미로운 움직임과 질감으로 가득 차 있습니다.
Example 9a / Example 9b 🔗 클릭 시 원문 연결
c. 튜닝 플러그인을 사용하여 인위적인 느낌(아티팩트) 추출
Waves Tune Real-Time과 같은 튜닝 플러그인을 통해 오디오를 다른 스케일로 강제적으로 조정하면
흥미롭고 얻기 어려운 인위적인 느낌(아티팩트)을 얻어낼 수 있습니다.
이를 통해 리스너에게는 친숙한 톤을 생성하게 되지만 추가 처리를 하게 되면 독자적인 사운드를 얻어낼 수 있습니다.
리드 요소가 아닌 소스를 사용하십시오.
보컬이나 기타와 같은 리드 요소에 이 트릭을 사용하게 되면 리드가 맨 위에 놓이지 않고 리드를 흡수하는 질감이 되게 됩니다.
따라서 하모니나 리듬 비트와 같은 2차적인 믹스 요소를 찾아 리스너의 주의를 리드 요소로부터 멀어지게 하지 않도록 하십시오.
결론
더 적은 프로덕션 요소로부터 더 많은 것을 얻을 수 있다는 것은 결국 믹스 안에서 모든 디테일들을 추출하는 것입니다.
이 개념은 아주 작은 양의 일상 사항을 추출하는 것입니다.
이 개념은 아주 작은 양의 루틴을 개선하는 것이 복합적인 효과를 가져올 것이라고 주장하는 ‘Atomic Habits’를 떠올리게 합니다.
시간을 투자해서 각 채널에 숨어있는 추가적인 5-10%의 디테일을 뽑아낸다면 훨씬 더 좋은 곳을 만들 수 있을 것입니다.
※ 궁금하신 사항은 비엘에스 카카오톡 채널로 문의바랍니다.
음악 제작에 있어 “줄일수록 좋다”라는 말에 대해 : 4가지 미니멀리스트 팁
노래가 과하거나 단조롭게 들리나요? 프로덕션의 요소들이 너무 많이 있을 수도 있습니다.
더 적은 수의 악기에 숨쉴 수 있는 공간을 더 제공하세요.
더 적은 수의 트랙으로 더 좋은 음악을 얻을 수 있는 4가지 미니멀한 팁을 알아보세요.
By Will Vance, Hyperbits
더 적은 요소로 더 많은 것을 얻는 것은 음악에서 스탠다드입니다.
이것이 바로 Prince가 듬성듬성한 편곡으로도 꾸준히 차트 1위를 차지할 수 있었던 비결이자
댄스 음악에서 가장 클라이막스인 순간이 때로 베이스와 킥으로만 구성되는 이유입니다.
그렇다면 이것이 왜 달성하기 그렇게 어려울까요?
왜 미니멀리즘은 숙련자의 영역이고 풍성함은 때로 아마추어적인 느낌을 줄까요?
프로페셔널 프로듀서들은 사운드, 질감, 시간 및 공간의 미묘한 뉘앙스를 포착하기 위해 귀와 뇌를 조율해왔습니다.
이는 우리가 Hyperbits Masterclass 학생들에게 항상 가르치는 것입니다.
이러한 미묘함을 식별할 수 있다면, 이를 활용하는 것에 대해 생각해 볼 수 있습니다.
이 게시글이 끝나면 동일한 작업을 시작하는 방법에 대해 확실한 이해를 갖게 될 것입니다.
더 적은 것으로 더 많은 것을 얻으십시오…
구성 요소의 공간 효과, 움직임, FX 및 분위기를 영리하게 사용하여
최소한의 편곡으로 더 많은 것을 얻을 수 있는 4가지 방법에 대해서 알아보겠습니다.
이러한 예제의 대부분은 쉽게 따라할 수 있도록 설계되었으므로 Hyperbits Masterclass Freebie 페이지로 가서
Hyperbits Sample Pack Vol.2 카피를 다운받고 이 팁에서 사용된 동일한 샘플을 통해 따라해 보세요.
1. 공간 효과를 사용하여 공간 채우기
부드러운 에코와 딜레이 플러그인의 가벼운 응용은 특정 공간에 소리를 배치하는 데 가장 일반적으로 사용되며, 리버브와 비슷합니다.
그러나 딜레이를 더 많이 사용하면 완전히 새로운 레이어나 악기를 믹스에 추가하지 않더라도 사운드 간의 공간을 채울 수 있습니다.
이러한 목적으로 딜레이를 사용하려면 프리셋에 의존하는 것보다 훨씬 더 많은 의도성을 필요로 합니다.
이러한 딜레이는 리드 보컬이 필요로 하는 만큼의 많은 주의, 프로세싱 및 전반적으로 관리가 필요합니다.
동일한 공간을 채우기 위해 새로운 구성 요소에 의존하는 대신
세츄레이션, 리듬, 및 컴프레션을 사용하여 딜레이를 한 단계 더 발전시킬 수 있는 방법을 살펴보겠습니다.
a. 추가적인 꾸밈을 위한 딜레이 색깔 지정
딜레이는 믹스의 배경으로 흘러가는 경향이 있지만, 딜레이에 세츄레이션을 줌으로써
믹스에서 강력하게 앞으로 튀어나오고 포커스를 흐트러뜨리지 않고 리스너들을 끌어드리는 데 도움이 되는 놀라운 방법이 될 수 있습니다.
Example 1a – Synth (dry) / Example 1b – Synth (H-Delay) 🔗 클릭 시 원문 연결
아날로그 복각 요소를 통해 딜레이에 미묘한 질감이 입혀져 생기는 파워를 볼 수 있을 것입니다.
딜레이가 틈 사이의 간격을 채우는 단계적인 움직임을 추가하는 것입니다.
딜레이를 사용함으로 좋은 소리를 얻을 수 있지만 온-그리드 딜레이는 금방 식상해집니다.
아날로그 딜레이가 잘 쓰이는 이유입니다. 미묘한 모듈레이션은 공간을 빽빽하고 흥미롭게 보이도록 합니다.
예시 1 H-Delay : 적은 양 이상의 모듈레이션을 사용하면 너무 주의를 끌 수 있습니다.”
H-Delay의 모듈레이션 패널은 과할 정도로 드라마틱 하지 않으면서 공간과 움직임을 추가하여 줍니다.
아날로그 모델링의 또 다른 추가적인 좋은 점은 입력을 드라이브할 수 있는 기능으로
하나의 사운드가 트랙을 더 잘 전달할 수 있도록 도와주는 질감을 추가한다는 것입니다.
위에서 동일한 루프를 가져와서 피치 모듈레이션의 양을 과장되게 하여 만든 루프와 비교해 보겠습니다.
Example 1c – Synth (heavy modulation) 🔗 클릭 시 원문 연결
b. 딜레이를 사용하여 리듬 강조하기
새로 시작하는 프로듀서들이 범하는 일반적인 함정은 음의 밀도가 낮을수록 더욱 차분한 섹션이 만들어진다는 생각입니다.
어떤 의미에서는 이것이 효과적일 수도 있지만 트랙의 에너지 피크 부분과 비교할 때 여전히 저점은 공허하고 활기가 없는 느낌을 줍니다.
그러나 동일한 공간을 흥미로운 방식으로 채우기 위해, 이미 사용 가능한 음향적인 재료들로 영리하게 사용하는 방법을 찾는다면
훨씬 더 응집력 있는 사운드를 만들 수 있습니다. 수행 방법은 다음과 같습니다.
1단계 – 믹스에서 스타카토 느낌이 나는 악기를 선택합니다. 단일한 히트 또는 짧은 마디가 여기에 잘 어울릴 것입니다.
이 예시에서는 Hyperbits Sample pack Vol. 2.의 구성 키트를 사용합니다.
두 바 정도의 간격으로 나오는(그림에서 녹색으로 표시) 트랜지언트가 풍부한 신디사이저가 이 트릭에 적합합니다.
Example 2a – Staccato Lead Synth (dry) 🔗 클릭 시 원문 연결
2단계 – 오디오에 딜레이를 사용해 줍니다(Manny Marroquin delay를 사용했습니다).
딜레이 타임을 템포와 동기화하여 비트에 맞춰 조정될 수 있도록 합니다. 여기서는 딜레이가 리드미컬한 공간 분위기를 더합니다.
Example 2b – Staccato Lead Synth (spacey delay) 🔗 클릭 시 원문 연결
3단계 – 딜레이에 대해 몇 가지 파라미터를 조정하면서 딜레이 된 시그널을 오디오에 프린트합니다.
4단계 – 오디오가 프린트되면, 레코드한 부분들을 샅샅이 찾아 흥미로운 무브먼트와 질감을 지닌 리드미컬한 딜레이 루프를 찾습니다.
Splice 소스가 드럼을 받쳐주는 리드미컬한 pluck으로 바뀌는 것을 보고 들어보세요.
5단계 – 이 짧은 오디오 클립을 잘라 노래의 비교적 잔잔하고 밋밋한 부분에 걸쳐 반복시킵니다.
Example 2c – Spliced synth 🔗 클릭 시 원문 연결
딜레이 된 시그널이 리드가 도입되기 전 트랙을 전달하는 데 어떻게 도움이 되는지 보고 들어보세요.
c. 더 다이나믹한 딜레이를 위해 사이드체인을 활용
이펙트 걸기 전단에서(pre-effect) 시그널에 딜레이를 사이드체인으로 연결하는 것은
리버브나 딜레이 같은 뒤에 적용할 효과들을 걱정하지 않고 생동감과 움직임을 추가할 수 있는 놀라운 방법이며,
또한 컴프레서 덕킹 효과의 지속 시간에도 영향을 미칩니다.
그 결과적으로 call and response(메인 보컬과 백그라운드 보컬, 각 악기 등이 ’상호 연주’로서(연주에 서로 호응하는 형태로)
연주하는 것을 가리킨다.)와 같은 분위기가 조성되어 딜레이가 그 사이 공간을 채우는 동안 리드가 명확하게 유지될 수 있습니다.
이는 많은 새로 시작하는 프로듀서들이 간과하는 단순한 개념이므로 아래에 포함시켜야 합니다.
Renaissance Compressor는 원하는 만큼 부드럽거나 명확하게 조정할 수 있습니다.
Renaissance Compressor는 이를 위해 유동적인 컴프레션을 제공하여
별다른 펌핑이나 덕킹없이도 리버브 또는 딜레이가 적용된 신호가 투명하게 호흡할 수 있도록 해줍니다.
Hyperbits Sample Pack Vol 2의 또 다른 몇 가지 샘플을 사용해 보겠습니다.
Example 3a (no sidechain) / Example 3b (sidechain compression engaged) 🔗 클릭 시 원문 연결
2. 움직임은 더 적은 레이어에서 더 많은 생명력을 불어넣습니다.
사운드에 생기가 부족하면, 한두 번만 반복되어도 듣는 사람이 피곤해집니다.
그러나 이는 시간이 지남에 따라 음향적인 퀄리티, 리듬 및 사운드의 일반적인 캐릭터를 변화시킴으로써 해결될 수 있습니다.
이러한 무브먼트나 모듈레이션이 조금만 있어도 추가적인 레이어 없이 하나의 사운드가 오랜 시간동안 관심을 유지할 수 있습니다.
Phaser와 같은 이펙트는 이를 달성하는 데 일반적이지만,
대신 슬랩백 딜레이나 아날로그 플러그인과 같은 사운드에 움직임을 가져올 수 있는 조금 덜 일반적인 방법을 살펴보겠습니다.
a. 딜레이로 리듬 향상시키기
믹스에 여러 개의 딜레이를 추가하는 것은 쉽게 지저분해질 수 있습니다.
그러나 만약 슬랩백 딜레이가 보컬이나 기타와 같은 악기들의 하모나이징하고, 두껍게하고, 모듈레이션하는 데
널리 사용되는 수단이라면 타악기에도 동일한 원칙으로 적용할 수 있습니다.
CLA EchoSphere.
CLA EchoSphere는 이 효과를 위한 강력한 도구입니다.
아래 두 번째 오디오 예시가 얼마나 더 복잡하게 나타나는지 들어보십시오.
첫 번째 예시는 경직되고, 지루하고, 다이나믹하지 않은 반면에, 두 번째 오디오 트랙은 앞으로 튀어나와 있습니다.
아래 예시를 한번 비교해 보세요. 파형을 통해 더 적은 수의 레이어에서 더 많은 당김음을 얻을 수 있다는 것을 알 수 있습니다.
Example 4a – No slapback / Example 4b – Slapback effect engaged 🔗 클릭 시 원문 연결
b. 아날로그 에뮬레이션을 사용해서 톤과 질감 모듈레이션하기
아날로그 에뮬레이션은 입력에 따른 변화와 “하드웨어 회로”가 따뜻해지고 차가워짐에 따른 사운드의 색감 변화를 제공합니다.
아날로그 세츄레이터 또는 컴프레서에 입력되는 악기의 입력을 다양하게 하면
움직임과 다양한 질감이 추가되어 믹스와 편곡 모두에서 여유 공간을 유지하면서 다이나믹한 음색을 얻을 수가 있습니다.
1단계 – 생동감이나 움직임이 없는 소스 시그널을 찾습니다.
Example 5a 🔗 클릭 시 원문 연결
2단계 – 아날로그 에뮬레이터를 불러오고 이펙트 적용을 시작합니다.
아래 예에서는 J37 Tape를 거쳐서 CLA-2A compressor로 이어지는 리드 신디사이저의 간단한 프로세싱 체인을 보여줍니다.
J37 Tape 및 CLA-2A Compressor는 진정으로 다이나믹한 아날로그 모델링을 얻어내기 위해 같이 작동합니다.
3단계 – 체인에 공급되는 신디사이저의 입력 게인에 영향을 미치기 시작합니다.
MIDI 벨로시티는 여기서 가장 활용하기 좋으며 볼륨 및 필터 컷오프와 같은 항목을 이 파라미터에 매핑하면 더욱 강력해집니다.
아날로그 에뮬레이터가 흐릿하고 강력한 높은 벨로시티의 노트와 비교하여 더 조용한 낮은 벨로시티의 노트와 어떤식으로 다르게 반응하는지 들어보십시오.
Example 5b (analog signal path) 🔗 클릭 시 원문 연결
아날로그 플러그인에 공급되는 것에 따라 출력 신호의 색감과 질감에 미묘한 변화를 주며,
이는 다시 MIDI 파일의 벨로시티에 따라 달라지며 지루한 원래 버전보다 훨씬 더 많은 움직임을 가져옵니다.
3. 나만의 FX를 만들고 흔한 샘플을 피하세요.
전환되는 효과는 에너지를 불러오고 섹션 사이에 유동성을 추가하며 종종 샘플 라이브러리 FX는 이러한 상황에서 제대로 동작할 수 있습니다.
그러나 쉽게 구할 수 있는 샘플 FX를 너무 많이 추가하면 구성 전반에 걸쳐 응집력이 없어지고
트랙 전체가 아마추어처럼 느껴질 수 있기 때문에 이는 쌓여서 문제가 눈덩이처럼 커질 수 있습니다.
따라서 믹스에 내재된 요소를 찾아 전환되는 FX 용도로 변경하는 것이 거의 모든 상황에서 좋습니다.
이 작업을 시작할 수 있는 몇 가지 방법이 존재합니다.
a. 유니크한 전환 효과를 위해 게이트 노이즈 사용
간단한 화이트 노이즈 제너레이터와 트리거된 게이트를 활용하여 트랙에 이미 설정된 리듬을 빌려 다이얼-인 이펙트를 얻어보세요.
eMo Generator- 노이즈 제너레이터는 많은 현대 댄스 음악에 있어 알려지지 않은 영웅입니다.
1단계 – 간단한 화이트 노이즈 제너레이터(예 : eMo Signal Generator)를 사용합니다.
2단계 – Waves C1과 같은 게이트를 화이트 노이즈 시그널에 적용하고
사이드 체인 입력 시그널을 섹션에서 가장 리디미컬한 에너지를 전달하고 있는 트랙으로 설정해 줍니다.
3단계 – 게이트의 스레숄드를 조정하여 화이트 노이즈가 입력 신호의 리드미컬한 움직임을 반영하는 미세한 노이즈로 바뀌게 합니다.
4단계 – 빌드가 텐션을 증가시키거나 감소시키기 시작할 때 게이트의 스레숄드를 줄이고 릴리즈를 늘려줍니다.
Example 6a - dry / Example 6b – Gated noise FX 🔗 클릭 시 원문 연결
b. 단일 파라미터로 라이저 생성
저는 실수로 리버브에 사이즈 파라미터를 우연히 건드려 리버브가 다른 공간으로 강제로 변경될 때 생기는 음정이
삐걱거리는 사운드를 듣고 매우 싫어하고는 했습니다. 하지만 최근에는 이 단순한 “실수”가 힘을 보기 시작했습니다.
모든 플러그인에서 실시간으로 Size 파라미터를 오토메이션할 때 피치가 조절되는 것은 아닙니다.
하지만 이 하나의 파라미터를 천천히 오토메이션하면
기존의 FX를 사용하는 대신 소스와 동일한 질감과 공간을 공유하는 미묘한 라이저 효과를 발생시킬 수 있습니다.
Example 7a – dry / Example 7b – pitch riser effect 🔗 클릭 시 원문 연결
c. 리버브를 리버싱시키는 더 나은 방법
리버스 리버브 트릭은 작곡에 스윕과 스웰을 생성하는 좋은 방법이지만, 이를 최대한 활용하는 사람은 거의 없습니다.
이 작은 전환 FX를 최대한 활용하기 위해서 이 고전적인 트릭을 향상시키는 몇 가지 방법을 살펴보겠습니다.
1단계 – 곡안에서 소스 재료로 사용하려는 요소를 찾습니다.
가장 유력한 소스로는 보컬, 리드 악기, 또는 밝은 느낌의 하모니가 있을 것입니다.
이 샘플은 움직임이 부족하여 현재 형식으로 도입하면 어울리지 않게 보일 것입니다.
Example 8a 🔗 클릭 시 원문 연결
2단계 – 소스 자료의 카피본을 만들고 첫 번째 치찰음, 트랜지언트 또는 히트 사운드만 들리도록 밑에 트랙에 듀플리케이트 합니다.
3단계 – 이 작업에 적합한 툴을 사용하는데, 우리는 이에 대해 하이퍼비트 마스터 클래스에서 자주 이야기하곤 합니다.
이 트릭에서 Abbey Road Reverb Plates와 같은 플레이트 리버브는
이 리버스 효과가 믹스를 뚫고 나가는데 도움이 되도록 존재감과 빛을 가져와 줍니다.
Abbey Road Reverb Plates와 같은 Plate Reverb들은 더 밝은 경향이 있으며, 믹스에서 앰비언스까지 앞으로 나올 수 있도록 해줍니다.
Example 8b – Plate reverb 🔗 클릭 시 원문 연결
4단계 – 100% Wet로 설정된 리버브를 통해서 첫번째 히트 오디오를 리샘플링합니다.
이 작업을 여러 번 수행하면서 리버브 플러그인의 파라미터를 조정합니다.
5단계 – 리버브 테일의 오디오 클립을 리버스 시켜 디케이 대신 스웰 시켜줍니다. 이것이 리버스 리버브 트릭의 기초가 될 것입니다.
리버싱은 모든 소스 사운드에서 흥미로운 질감과 움직임을 만들어내는 놀랍고 창의적인 도구입니다.
Example 8c – Reverse reverb 🔗 클릭 시 원문 연결
6단계 – 저는 항상 리버스 레코딩의 다양한 테이크를 왼쪽과 오른쪽으로 패닝하여 기타를 더블 트래킹하는 것과 비슷하게
매우 와이드한 느낌을 만들어냅니다.
이는 FX를 사이드로 유지하면서 주요 소스(리드 보컬이나 기타 등)들을 믹스에서 정면과 중앙에 배치될 수 있도록 합니다.
왼쪽 채널과 오른쪽 채널을 구분하는 작은 변화에 주목하여 더블-트래킹과 유사한 이펙트를 만들어낼 수 있습니다.
Example 8d – Double-tracked reverse reverb 🔗 클릭 시 원문 연결
4. 분위기, 사운드 베드 및 그 이상을 만들어 보세요.
믹스의 음향적인 스페이스를 한 치도 빠짐없이 채우고 싶은 유혹이 있을 것입니다.
이는 여유 공간이 있다고 가정하기 때문일 수 있지만, 실제로는 그렇지 않습니다.
곡에 포함된 요소로부터 맥락과 공간을 추가하여 앰비언트 사운드 베드를 만드는 제가 가장 좋아하는 방법은 다음과 같습니다.
a. 리버브를 사용하여 분위기 만들기
믹스에 질감과 공간을 추가하는 가장 확실한 방법은 리러브일 것입니다.
트랙에 낮게 덮인 적당한 양의 음향적인 먼지는 공간을 채우고 어떤 구성에도 응집력을 더해줄 수 있는 이상적인 소닉 사운드-베드가 될 수 있습니다.
루프에 스플라이스할 짧은 구간을 찾으십시오.
트랙의 기반에 질감, 움직임 및 드라이브를 추가합니다. 이 과정을 몇 번 수행하고 트랙이 전개됨에 따라 주변 루프 사이를 크로스-페이드합니다.
b. Wavetable Synths로 사운드 베드 만들기
Codex Wavetable Synth와 같이 웨이브테이블 또는 그레뉼라 신디사이저에 짧은 클립을 로드하는 것은 사운드 베드를 생성하는 데 좋을 수 있습니다.
신스를 통해 재료들을 리샘플링하고 그레뉼라 신스의 파라미터를 조정한 뒤 오디오를 연결하는 데 시간을 할애하여 원하는 분위기를 얻을 수 있습니다.
그것들은 종종 자체적으로 미친듯한 사운드를 들려주지만(아래의 예시 9a와 같이),
최종 결과(예시 9b)는 흥미로운 움직임과 질감으로 가득 차 있습니다.
Example 9a / Example 9b 🔗 클릭 시 원문 연결
c. 튜닝 플러그인을 사용하여 인위적인 느낌(아티팩트) 추출
Waves Tune Real-Time과 같은 튜닝 플러그인을 통해 오디오를 다른 스케일로 강제적으로 조정하면
흥미롭고 얻기 어려운 인위적인 느낌(아티팩트)을 얻어낼 수 있습니다.
이를 통해 리스너에게는 친숙한 톤을 생성하게 되지만 추가 처리를 하게 되면 독자적인 사운드를 얻어낼 수 있습니다.
리드 요소가 아닌 소스를 사용하십시오.
보컬이나 기타와 같은 리드 요소에 이 트릭을 사용하게 되면 리드가 맨 위에 놓이지 않고 리드를 흡수하는 질감이 되게 됩니다.
따라서 하모니나 리듬 비트와 같은 2차적인 믹스 요소를 찾아 리스너의 주의를 리드 요소로부터 멀어지게 하지 않도록 하십시오.
결론
더 적은 프로덕션 요소로부터 더 많은 것을 얻을 수 있다는 것은 결국 믹스 안에서 모든 디테일들을 추출하는 것입니다.
이 개념은 아주 작은 양의 일상 사항을 추출하는 것입니다.
이 개념은 아주 작은 양의 루틴을 개선하는 것이 복합적인 효과를 가져올 것이라고 주장하는 ‘Atomic Habits’를 떠올리게 합니다.
시간을 투자해서 각 채널에 숨어있는 추가적인 5-10%의 디테일을 뽑아낸다면 훨씬 더 좋은 곳을 만들 수 있을 것입니다.
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